Infinito instante | O que pimentões e conchas têm a ver com a fotografia?

Por Ioana Mello*

Esse mês gostaria de passear um pouco pela história da fotografia e falar de um grande fotógrafo americano da primeira metade do século XX, Edward Weston, e seus debates em torno da tecnologia e do tempo na fotografia.

Edward Weston (1886 – 1958) foi um grande fotógrafo dos anos 30 que tentou estruturar uma nova linguagem fotográfica à frente de um famoso grupo de fotógrafos chamado f/64.

Mas vamos começar pelo começo! No início de sua carreira, Weston participou da fotografia pictorialista com seus retratos fora de foco. Os pictorialistas buscavam um afastamento com o realismo da mídia fotográfica e de suas imagens técnicas e uma aproximação com o que na época era considerado arte: a pintura. Ao longo dos anos 20, Weston foi tateando outros caminhos e se consagrou com imagens mais diretas, observando as formas e detalhes dos objetos. Esses são os anos do seu estúdio no México, onde ele pôde interagir com grandes artistas como Tina Modotti, Diego Rivera e Jose Orozco.

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Diego Rivera, 1924

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De volta a Califórnia, ele cria o grupo f/64, em 1932, com Ansel Adams, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham e Sonya Noskowiak. O grupo acreditava na superioridade técnica da fotografia do século XIX e na qualidade e força da materialidade da superfície físico-química da imagem. Eles procuravam uma linguagem fotográfica mais direta, dentro das possibilidades e dos recursos do meio.

Dentre outras coisas, eles evitavam alterações nas imagens, limitavam os efeitos criados pelos equipamentos e pelos processos de revelação, procuravam o máximo de foco e de profundidade de campo e usavam câmeras de grande formato, onde os enormes negativos guardam muito mais informações e qualidade, além de terem maior capacidade de controle sobre as sombras. O resultado é normalmente uma fotografia de máxima definição. As imagens de Weston lidam com muita textura e corporeidade, perfeitamente nítidas e detalhadamente trabalhadas nos tons cromáticos da luz. Seus pimentões, conchas e couves são um bom exemplo.

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Cabbage Leaf, 1931

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Shell, 1927

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Oceano, 1936

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Na fotografia, os debates entre tecnologia e tempo estão sempre interligados. No início da fotografia, o tempo se fazia pesado: ele era um grande problema para os primeiros fotógrafos que só podiam fotografar paisagens, visto o enorme tempo de exposição que girava em torno de 12 horas. A tecnologia foi evoluindo, e a exposição diminuiu. Por volta de 1840, já se fazia fotos em minutos. Na década de 1870, a fotografia atinge o seu modo “instantâneo”.

Através dos artefatos tecnológicos – processos de revelação mais rápidos e de melhor qualidade, máquinas menores e mais ágeis – estendemos os limites, desvelando aos poucos o mundo: descobrimos o movimento dos cavalos, por exemplo, com Muybridge, em 1878. Antes dele não tínhamos a menor consciência dos movimentos dos animais: a fotografia trouxe à luz o inconsciente ótico.

É, então, em torno do início do século XX, que o foco da fotografia muda. Ela deixa de se preocupar com as questões referentes ao tempo – fotografia de movimento, por exemplo – e com o peso desse tempo nas suas imagens, e resolve estender as suas fronteiras e seus debates.

Um exemplo desse novo enfoque é ninguém menos do que o nosso fotógrafo americano, Edward Weston. Em suas imagens, ele quer pensar a linguagem fotográfica em si. Suas imagens dos pimentões e outros tipos de naturezas mortas usam de um enorme tempo de exposição, às vezes acima de 20 minutos, já numa época de grandes avanços tecnológicos. Mas ele já não se preocupava com o tempo da foto, com sua instantaneidade ou sua rapidez. O que ele queria com a fotografia, dizia o próprio Weston, era “fixar a quintessência do objeto ou do elemento diante da (…) lente, e não apenas a interpretação, uma fase superficial ou uma disposição passageira” [1]. Ele se utilizava de um simbolismo para tentar conhecer as coisas como elas são e não apenas retratar e registrar. É a “coisa” que se dá e que se mostra, e não o fotógrafo que “rouba” uma interpretação.

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Pepper, 1930

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Nude, 1936

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O resultado são fotografia intensas, revelando uma certa sensualidade a esses objetos. Temos uma textura forte, uma importância da forma e uma grande nitidez, mas temos sobretudo uma depuração do objeto.

O fotógrafo não está apenas interessado em gravar mecânica e tecnicamente instantes da vida, divulgar o que antes não era visível no mundo; ele quer revelar o mundo em si.

 

Notas

[1] LISSOVSKY, Maurício. O crepúsculo do olho e as vanguardas fotográficas do século XX. In: REcine, ano 3, no 3, dezembro 2006.

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*Ioana mello é carioca, formada em Publicidade e Cinema, com mestrado em História da Arte e Estética e Arte Contemporânea e pós graduação em Arte e Filosofia e Mercado de Arte. É sobretudo uma apaixonada por fotografia, trabalhando sempre em torno da imagem, seja em festivais e galerias de fotofrafia, salas de aula ou escrevendo em seu site photolimits.com ou em sua coluna, Infinito instante, no blog da Subversos

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